Fantezii adolescentine, dar nu oarecare

Violonista

Nu mă sfiesc să recunosc că n-aveam habar cine a fost Lenora Carrington când am pășit în Musee du Luxembourg din Paris, la expoziția dedicată ei.

Când am ieșit de acolo, universul artei își dezvăluise încă o comoară, căci pictorița britanică merită să stea pe același plan cu marii suprarealiști, cu Dali, Miro sau Ernst, ba chiar îi și întrece uneori prin modul cum a filtrat traumele personale într-o estetică deopotrivă fragilă și brutală.

Poate pentru că a trăit mult în Mexic, simți o asemănare cu arta Fridei Kahlo, fără ca asta să aducă știrbire unei originalități incontestabile.

Însă nu despre artista consacrată vreau să vorbesc, ci despre versiunea ei adolescentină.

La 15 ani, Lenora Carrington, avea, ca orice fată de vârsta ei, fantezii.

Erau inspirate, probabil, de mentalul colectiv al epocii, de locurile pe unde a trăit, dar și visele și ambițiile ei de adolescentă, în care se trezeau personalitatea, pulsiunile rebele, dar și setea de recunoaștere.

Toate acestea au generat o suită de acuarele absolut spendide, în care tânără, deja de o precocitate plastică uluitoare, a transpus diverse versiuni ale Surorilor Lunii, adică figuri feminine supranaturale, omoloage ale Zburătorului românesc, de pildă.

Fleetwood Mac le-a evocat într-un cântec celebru, iar pubera Carrington le îmbrăcă în forme misterioase, colorate cu un gust desăvârșit.

La aceste acuarele reveneam din nou și din nou, chiar și după ce parcursul expoziției mă împingeam spre alte zone ale esteticii artistei.

Imaginile de mai jos sunt palide reproduceri, dar vă pot ispiti să le căutați aievea.

Surorile Lunii – Fortuna

Surorile Lunii – Strega

Surorile Lunii – Indovina Zingara

Surorile Lunii – Iris

Surorile Lunii – Fantasia

Surorile Lunii – Juliette

Surorile Lunii – Anida

Surorile Lunii – Erebus

Surorile Lunii – Diana

Surorile Lunii – Lucienne

Să privim pictura! (CXLII)

Portretul lui Bernabe de Ochoa de Chinchentru y Fernandez de Zuniga

Are loc un eveniment la care participă oameni, pac apar și pozele de tot felul de acolo.

Narcisism!

Așa strigă moraliștii sau invidioșii.

Corect.

Tehnologia incită la narcisism!

Așa strigă aceiaiși de mai sus.

Aici i-aș contrazice.

Narcisismul și dorința de a etala statusul pe care îl ai, pretinzi că îl ai sau spre care aspiri sunt vechi de când lumea.

Un portret care mi-a ieșit în cale la expoziția Splendorile barocului de la Muzeul Jacquemart Andre din Paris a întărit această ipoteză într-un mod amuzant de elocvent.

Autor este ori Juan Carreno de Miranda (1614-1685), ori Juan de Alfaro y Gamez (1643-1680).

De fapt, cu riscul de a-i desconsidera pe acești artiști, nici nu contează paternitatea operei, ci subiectul ei.

Titlul tabloului este Portretul lui Bernabe de Ochoa de Chinchentru y Fernandez de Zuniga.

Probabil ați uitat numele până să ajungeți la finalul lui, nu?

Nicio problemă, pe lângă ținuta mândră, protagonistul ne aduce aminte prin medalionul de jos cine este și câte ranguri are.

Nu am găsit multe informații despre domnia sa, doar o mențiune că ar fi avut funcții secretariale la curtea spaniolă și ar fi fost un membru influent al Consiliului Indiilor, care gestiona nou dobânditele colonii de peste Atlantic.

Oricum, e clar că a avut de semnat cel puțin la fel de mult ca aceia care lucrează cu fonduri europene.

Sper că a apucat să se bucure și un pic de viață, pentru că o mare parte a ei trebuie să i se fi scurs scriindu-și numele.

Bine că s-au abolit rangurile nobiliare, că nu știu ce ne făceam.

Să privim pictura! (CXLI)

Portret de fetiță

Să zicum că treceți rapid pe lângă acest portret dintr-o expoziție care acoperă toată istoria picturii. Cui l-ați atribui.

Prima tentație ar fi unui impresionist, nu?

Berthe Morissot sau chiar Edouard Manet?

Contururile sunt trasate clar, dar și vag estompate, iar paleta de culori, deși restrânsă, este un subtil joc al luminii.

Dacă înaintați, acesta vă va fi verdictul.

Dacă vă opriți puțin și vă uitați cu mai multă luare aminte la coafura fetiței și la ochii ei negri, parcă te vezi mutat în Spania, iar suspectul principal devine Goya. El se pricepea ca nimeni altul să pună atâtă psihologie într-un chip care te privește de pe pânză.

Mulțumit cu știința ta plastică, poți merge mai departe.

Dar, dacă ajungeți până la panoul explicativ, veți constata cu surprindere și încântare că este vorba despre Diego Velazquez.

Da, vă veți spune, recunosc fizionomia din Las Meninas și alte picturi ale regalității spaniole.

Însă este o diferență dintre figurile hieratice, chiar scorțoase, din portretele oficiale realizate de marele maestru spaniol și acesta, care este învăluit de o duioșie aproape paternă.

Nu se cunoaște identitatea fetiței. Unii spun că ar fi nepoata sa, Ines Manuela, ceea ce este plauzibil.

Un lucru e cert, însă.

Înțelegem pe deplin de ce Velazquez a fost privit cu atâtă adulație de nume grele ale artei, precum Goya, Manet sau Picasso.

Fiecare maestru are un maestru al său.

P.S. Eu, unul, am avut parte de o restrângere a ariei mele de cercetare, căci am văzut lucrarea în cadrul expoziției Splendorile barocului spaniol de la Muzeul Jacquemart Andre din Paris.

Propagandă în fond, adaptare în formă

Nașterea lui Iisus

Arta a reprezentat de-a lungul istoriei un paradox.

În parte, a fost o formă de a căuta libertatea, în special cea de exprimare, care, în forma ei absolută pe care o clamăm acum, e de data recentă.

Însă a fost și instrument de propagandă, adaptându-se în formă pentru a servi un anume scop ideologic.

Iar asta mi s-a relevat într-un mod inedit parcurgând o expoziție dedicată picturii baroce spaniole de la Muzeul Jacquemart Andre din Paris.

O sală era dedicată unor tablouri provenind din noile colonii hispanice, mai precis din Peru de astăzi, și au o tematică vădit biblică, rod al politicii intense de convertire desfășurate de noi stăpâni în rândul populației indigene.

Interesant este însă cum artiștii, localnici rămași, din păcate, necunoscuți, integrează motive și forme familiare incașilor și celorlalte grupuri etnice, pentru a face iconografia creștină mai convingătoare și mai atractivă.

Să luăm, de pildă, tabloul de mai sus, realizat în perioada 1620-1650, deci la un răstimp care impunea ca vechii zei să fie încă luați în calcul de autoritățile colonizatoare.

O scenă a nașterii lui Iisus clasică, dar înconjurată de o ramă cu aluzii solare evidente.

Cultul soarelui era central în ansamblul de credințe religioase precreștine ale locuitorilor din regiunea care cuprinde azi Peru și țări învecinate.

Intenția unui transfer imagologic e destul de limpede.

Mai subtile sunt formele de apropiere propagandistică din picturile de mai jos, provenite din așa-numita Școală din Cuzco și realizat de artiști necunoscuți în perioada 1725-1800.

Înfățișarea la Templu

Observăm că sunt mai târzii, deci procesul misionariat trebuie să fi avansat, așa că nu mai era nevoie de asocieri apăsate între fostele și actualele sisteme de credință.

Însă păstrărea unui specific local rămânea o necesitate, iar aceasta se manifestă în cadrul luxuriant al picturilor, care oglindește condițiile de mediu din Lumea Nouă, dar și în trimiterile solare ale aureolelor personajelor biblice, precum și în modele de pe veșminte.

Fuga în Egipt

Ca o concluzie, parafrazez vorbele lui Farfuridi.

Propagandă, dacă o cer interesele partidului, dar s-o știm și noi!

Să privim pictura! (CXL)

Fecioara cu pruncul

Dacă aveți copii mici sau care erau de curând așa.

Dacă aveți nepoței.

Dacă sunteți un adult în care un copil mic a căpătat încredere.

Atunci o să înțelegeți senzația tactilă și emoțională pe care am încercat-o de la prima ocheadă aruncată acestei picturi din cadrul expoziției Splendori baroce de la Muzeul Jacquemart Andre din Paris.

Se intitulează Fecioara cu pruncul, iar autor îi este Bartomole Murillo.

Tabloul are un subiect religios, chiar și numai prin faptul că provine dintr-o perioadă când exaltarea catolicismului devenise politică de stat în regatul spaniol, însă frumusețea operei de artă depășește cu mult fruntariile ei ideologice.

Ceea ce vede oricine, oricând, este o mamă care își liniștește copilul care, mic fiind, are o vagă reacție de teamă și se agață de cea care îi este principală sursă de protecție.

Gesturile sunt elocvente, atât al micuțului, cât și al femeii, care adoptă postura universală a liniștirii materne.

Murillo le redă pe toate cu o desăvârșită eleganță a proporțiilor și cu o paletă foarte redusă de culori, potențate de discreta aureolă care înconjoară ambele chipuri, singura referință sacrală dintr-o realizare artistică profund umană.

Să privim pictura! (CXXXIX)

Fata cu mangal

Georges de La Tour a fost maestrul clarobscurului, al jocului luminilor și umbrelor care transformă orice scenă, inclusiv prinderea unui purice într-un moment sublim.

Însă, de regulă, picturile sale sunt mai degrabă hieratice, vizează un mesaj de frumusețe platonică, sustrasă umanității pe care o emană cele ale contemporanului Frans Hals bunăoară.

Nu însă și aceasta, intitulată Fata cu mangal, pe care am regăsit-o în cadrul expoziției dedicate de lui de La Tour de la Muzeul Andre Jacquemart, pe care am evocat-o și în alte rânduri.

Și aici stăpânirea luminii și a efectelor ei picturale este desăvârșită. Acei cărbuni par încinși organic, trezind acea senzație ambivalentă de confort termic, dar și de teamă că, atingându-i, o să suferi.

Însă elementul meu favorit este gestul de a sufla al eroinei.

Respirație este viață, deci și acest tablou o capătă, iar artistul are grijă să nu ratăm acest amănunt, luminând chipul personajului feminin și stabilim o relație diagonală între cele două părți esențiale ale operei.

Mai mult, vagul decolteu care împărtășește lumina emanată de mangal ne inspiră (jocul de cuvinte e deliberat) să ne imaginăm cum pieptul se umflă în actul vital al respirației care alimentează suflul fetei.

Un obiect neînsuflețit de acum sute care palpită de viață chiar și acum.

Un triumf asupra timpului.

Să privim pictura! (CXXXVIII)

Portret de boier cu fetiță

E iunie, adică Ziua Copilului, așa că mă întorc la o superbă pictură de secolul XIX, în care mândria paternă e redată într-un mod care poate fi înțeles și peste veacuri.

Tabloul este găzduit de Muzeul Național de Artă al României din București și este intitulat convențional Portret de boier cu fetiță.

Nu se cunoaște numele autorului, iar datarea se face evident prin examinarea vestimentației, așa că putem conchide că este vorba despre mulții artiști plastici din perioada de tranziție dinspre epoca fanariotă și regulamentară spre cea modernă care își câștigau traiul furnizându-le celor avuți și de neam ceea ce azi s-ar realizat simplu cu un telefon – un selfie.

Lucrarea vădește calitățile și scăderile specifice pictorilor din acea perioadă – impecabila redare a veșmintelor, cu bogăția lor decorativă și cu efecte vizuale de profunzime, dar și caracterul rudimentar al chipurilor de copii.

Toate trec, însă, pe planul doi față de valoarea emoțională pe care o emană tabloul.

Gestul protector, vag autoritar, dar cert grijuliu al adultului este potențat de figura care exprimă mândrie.

Mama e numai una, dar și tata e numai unul.

Îmi imaginez că viitori pretendenți vor fi avut de îndurat o scenă similară cu aceea din Bad Boys 2.

Cine e tată de fată se regăsește în ea negreșit.

Să privim pictura! (CXXXVII)

Portret de femeie din profil

Suntem în plin Festival Shakespeare la Craiova, iar asta nu putea să nu influențeze modul cum m-am aplecat asupra unei picturi renascentiste peste care am dat acum ceva timp la Muzeul Jacquemart Andre din Paris.

Se intitulează Portret de femei din profil și îl are drept autor pe Giovanni di ser Giovanni, zis Scheggia (1406-1486), fratele mult mai celebrului Masaccio.

Ce m-a atras instantaneu la tablou a fost modul cum este catalizată impresia de profunzime a imaginii.

Pictorul nu folosește excesiv savantele descoperiri despre punctul de fugă și al unghiurile care vor domina arta plastică în perioada imediat următoare, ci se folosește preponderent de suprapunerea straturilor de culori.

Puterea negrului rochiei și a albului acoperământului de cap potențează paloarea chipului și a gâtului, precum și auriul părului, conferindu-le volum și chiar carnalitate.

Foarte discret, dar de efect este umbra unuia dintre pomeți, la rându-i element al transmiterii senzației de tridimensionalitate.

Acestea au fost calitățile de atunci, acum, însă, pictura mă ispitește să îmi imaginez și să decid pe care personaj feminin al lui Shakespeare l-ar putea întruchipa.

Fiind o pictură italiană, restrângem aria de cercetare la piesele care au loc în acea parte a Europei.

Să fie Silvia din Doi tineri din Verona, cea integră în dragostea ei și care e chiar subiectul unui tablou care îi prilejuiește celeilalte eroine, Julia, un monolog de o perpetuă prospețime psihologică?

Să fie Portia din Neguțătorul din Veneția, aparent inaccesibila domniță, care, pentru a fi alături de iubitu-i Bassanio, se deghizează în avocat?

Să fie Hero din Mult zgomot pentru nimic, care trebuie să sufere calomnii și recurge la o stratagemă funestă pentru a-și dovedi nevinovăția?

Frumoasă este arta, mai ales când poți să îi împletești ramurile.

Să privim pictura! (CXXXVI)

Încă de când eram mic și descopeream albumele de artă ale mamei, m-a fascinat să compar cele două versiuni ale Trișorului lui Georges de La Tour (cel de treflă și cel de caro).

Le-am dedicat un articol aici.

Nu mici mi-au fost surpriza și plăcerea să descopăr că n-a fost singura sa incursiune pe tărâmul alternanței, că n-a fost singurul joc de acest fel pe care l-a lăsat posterității.

La expoziția pe care am parcurs-o acum câteva luni la Muzeul Jacquemart Andre și care îi era dedicată am descoperit o pereche de tablouri înfățișându-l în aceeași ipostază pe Sfântul Ieronim, protectorul traducătorilor, căci el este cel care a transpus Biblia din ebraică în latină.

Una este cunoscută drept varianta de la Grenoble, cealaltă, de la Stockholm.

Având privilegiul de a le fi văzut împreună m-a pus inevitabil în situația de a găsi toate diferențele posibile.

Poate că nivelul de detaliu nu este la nivelul perechii Trișorilor, însă compensează prin modul cum te impresionează capacitatea lui de La Tour de a reproduce, în ciuda inevitabilelor diferențe, a unor detalii complicate, precum pielea flască a personajului biblic sau barba sa neîngrijită, ambele semne ale ascezei specifice începuturilor creștinismului.

Să privești o pictură este o aventură lăuntrică, una care necesită atenție și deschidere intelectuală.

Să privești două e și mai și.

Să privim pictura! (CXXXV)

Hoinărind prin sălile Muzeului Jacquemart Andre din Paris, am descoperit două superbe picturi renascentiste care au mai multe în comun decât faptul de a fi fost realizate aproape în același timp.

Una este Fecioara cu Pruncul, Ioan Botezătorul și un bătrân de Luca Signorelli.

Cealaltă este Fecioara cu Pruncul, înconjurată de trei sfinți de Andrea Mantegna.

După cum se poate observa, ambele sunt variante de Maesta și impresionează prin frumusețea și pitorescul cu care artiștii o înfățișează pe Fecioara Maria.

Ambele ipostaze atrag atenția prin chipul și psihologia discretă și melancolică a acestui personaj feminin.

Ceea ce nu se poate spune despre Pruncul Iisus, care este reprezentat destul de nenatural, iar eu unul am în minte și alte exemple când bebelușul era de-a dreptul ridicol.

Și nu uitați că aici vorbim de două lumea mari ale lumii artei.

De ce nu le mergea penelul atât de bine când venea vorba de copii?

Să fie oare pentru că în acea perioadă rolul bărbaților în gestionarea bebelușilor era minim spre inexistent, iar ei aveau astfel prea puține repere estetice în această privință?

Posibil.

Să fi fost oare preocuparea pictorilor pentru figura feminină un mod de a aduce un compliment vreunei reprezentante a Evei la care râvneau mai mult sau mai puțin cast?

Nu este exclus.

Să fi fost oare aplecarea către complexitatea chipului Fecioarei Maria un mod de a depăși preocuparea strict dogmatică a comanditarilor tablourilor?

Tot ce se poate.

Multe întrebări, puține răspunsuri clare.

Ceea ce face a le căuta cu atât mai plăcut.