Steven Seagal e un cult

Seagal_ShadowTerminasem de privit intr-o seara un superb documentar despre rinoceri si, fara sa fiu un impatimit al zapp-ingului, am butonat in fata sau in spate, nu mi-aduc aminte, si am dat peste un film cu Steven Seagal. M-am conformat imediat preceptului potrivit caruia nu ai voie sa schimbi canalul cand e Seagal pe sticla, ca e pericol, si am privit.

Inca de la inceput decorurile mi s-au parut cunoscute si, intr-adevar, n-a trecut mult pana sa-mi dau seama, judecand dupa cladiri si dupa niste politisti cam pirpirii, aducand mai degraba a comunitari, ca actiunea se petrece in Romania, in Bucuresti mai precis. Orice dubiu s-a risipit cand o doamna a legii marturiseste fara inconjur: Ba, mie imi vine sa ma p*s! sau cand un coleg de rang superior, striga cat poate, intr-o hilara incercare de a imita duritatea omologilor americani: Vrea sa stiu si ce tampoane isi pune la pi*da!

Cu interesul astfel starnit, am urmarit pana la capat cum Seagal isi salveaza o ruda pubera (fiica, nepoata, ceva de genul) din mainile unor oameni rai implicati intr-o conspiratie prea ampla pentru puterile mele de comprehensiune, din care mai fac parte mafioti rusi si ambasada americanilor, in frunte cu supriza! Imelda Staunton, excelenta actrita din Harry Potter, Vera Drake sau Skapespeare in Love. Ma intreb cate credite restante o avea sau ce lucratura malefica s-o fi adus in aceasta distributie

Ca orice mare opera de arta, farmecul lui Shadow Man (caci aceasta este sugestivul titlu) sta in detalii, mai precis acelea pe care eu, ca roman, le pot gusta in exclusivitate.

Unul este eronat din punct de vedere conceptual. Cameramanii insista pe tot felul de modele paradite de Dacia, pentru a spori senzatia ca Seagal, american dezvoltat multilateral, dar mai ales pe verticala, e un factor alogen intr-o tara cvasi-bananiera, caracterizare care, desi foarte adecvata in nenumarate privinte, nu merge si in cazul masinilor. Filmati orice parcare de bar de fitze din Bucuresti si nu numai si puteti pretinde fara probleme ca actiunea se petrece in decadentul Monte Carlo.

Spre finalul filmului, amuzamentul meu a atins cote paroxistice. Ca sa-si recupereze pubera, lui Seagal i se da intalnire la Biblioteca Centrala. Am ras eu ce-am ras, gandidu-ma ca vor folosi exteriorul. Dar nu, scena apoteotica are loc chiar intr-o sala de lectura, plina de studenti si de pensionari. Iar seful railor il asteapta pe eroul nostru in timp ce rasfoieste o carte. Dar nu orice fel de carte! Un roman de Jules Verne, editie de-aia arhicunoscuta cartonata! JULES VERNE!

HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA HA!

Nu va speriati, nu este o stire de pe noul OTV, ci doar un efect pirotehnic de doi bani jumate. Dar priviti unde este filmat! Asa-i ca va creste inima in piept de mandrie?

Radem, glumim, dar in final am o intrebare serioasa pana in maduva sintaxei:

E ceva in neregula cu mine ca m-am distrat asa de bine la un film cu Steven Seagal?

Tuse romanesti la Hollywood (Speaker for the Dead)

Phone Call from a StrangerPeriplul prin creatiile cinematografice care poarta semnatura romanului hollywoodizat Jean Negulescu imi releva lucruri pe care le stiam, dar si unele noi.

Din punct de vedere al scenariului, Phone Call from a Stranger este cel mai indraznet dintre filmele lui Negulescu pe care le-am vazut pana acum (Johnny Belinda, The Mask of Dimitrios, Titanic). Firul narativ il urmareste pe un avocat (Gary Merrill) care isi ia lumea in cap, suparat fiind de o infidelitate a sotiei; in aeroport, in avion si in escala pe care acesta o face fortat interactioneaza mai strans cu alte trei personaje: un doctor apasat de trecut, un comis-voiajor fanfaron si obositor prin glumele nesarate pe care le face permanent si o starleta de cabaret care are probleme cu soacra. Protagonistul este unul dintre putinii care supravietuieste teribului accident aviatic care urmeaza si isi asuma obligatia morala de a ii contacta pe apropiatii fiecaruia dintre cei trei tovarasi de drum.

De aici, filmul se desface precum un boboc de floare, in trei petale diferite, dar remarcabile. Din nou, Negulescu isi dezvaluie abilitatea de a lucra cu actorii, care au interpretari excelente. Avem doua nume mari in distributie: Shelley Winters, expresiva si hazlie, si Bette Davis care, surprinzator, apare doar intr-un rol episodic, dar care se constituie in cel mai emotionant al intregii pelicule. Prestatii meritorii mai vin si din partea lui Merrill insusi, mai ales in a doua parte a filmului, cand figura sa usor arida (amintindu-mi de cea a lui Humphrey Bogart) se potriveste de minune sarcinii de a regla postum relatiile companionilor cu ceilalti, precum si de la Michael Rennie, Keenan Wynn sau Beatrice Straight.

Din punct de vedere tehnic, Jean Negulescu este extrem de priceput in a starni senzatii de iminenta a dezastrului, ca in scenele accidentului rutier (nu va spun mai multe, vedeti voi ce si cum) sau ale celui aviatic care, in ciuda unor stangacii inerente perioadei (filmul e facut in 1952), da un pic de frisoane celor care au calatorit cu avionul si au simtit turbulente. In rest, regizorul nu are alta treaba decat sa isi urmareasca impecabilii actori in scene de interior sau prim-planuri.

Phone Call from a Stranger2

Ce am constatat, totusi, este ca lui Jean Negulescu i-a lipsit o viziune organica, o capacitate de a concepe unitar un film, asa cum o facea un William Wyler de pilda. Creatiile romanului sunt curajoase ca idee, dar fragmentate si inegale ca executie. In plus, uneori sunt excesiv de picturale, aici vadindu-se aplecarea pe care Negulescu a avut-o de mic catre aceasta arta.

Dar, ca si in cazul celorlalte filme amintite mai sus, si despre Phone Call from a Stranger pot sa afirm ca nu regret niciun moment ca l-am vazut.

Phone Call from a Stranger3

Bonus – imagine rara cu Jean Negulescu pregatind o scena cu Bette Davis si Gary Merrill, gasita pe site-ul www.acertaincinema.com

Phone Call from a Stranger4

Telecinemateca tiparita

1001 filme2

Marturisesc ca, in momentul cand am primit volumul 1001 de filme de vazut intr-o viata de la prietenii de la libraria online Libris, mi-au tremurat putin mainile de emotie. Numai eu stiu de cate ori, prinzand albumul pe vreun raft, am aruncat ocheade, ba intamplatoare, ba bine tintite, sa vad ce scrie despre cutare film.

Dar nu o sa las placerea de a-mi vedea un vis implinit sa imi intunece obiectivitatea.

Stiti in ce consta 1001 de filme de vazut intr-o viata. Un volum colectiv care insumeaza respectivul numar de creatii cinematografice, pe care autorii le considera demne a fi vazute. Chiar daca numarul pare enorm, reprezinta de fapt o limitare destul de puternica, pentru ca nu sunt mentionate doar capodoperele consacrate, ci si alte filme influente, care acum sunt repudiate (vezi realizarile lui Leni Riefenstahl sau The Birth of a Nation, unde linsajul persoanelor de culoare apare fara menajamente).

Ordonarea cronologica este punctul forte ale cartii: chiar daca nu citesti integral articolele, parcurgerea lor, vizualizarea imaginilor (excelent alese) si a titlurilor e o incursiune in istoria acestei minunate arte. Poti vedea cum au imbatranit actorii, cum au evoluat mentalitatile, cum s-au dezvoltat efectele speciale.

Pentru ca exista un colectiv de autori, articolele sunt inegale, ca lungime, dar, mai ales, ca valoare. Unele sunt simple expuneri ale intrigii (am fost foarte dezamagit de cel despre extraordinarul film noir Double Indemnity, unde era loc de consideratii fata de valoarea actorilor, a regizorului sau a atmosferei), dar altele (din fericire, peste doua treimi) imbina stralucit anecdoticul, esteticul si subiectivismul pur.

Unele formulari au darul de a explica ce nu pot tomuri intregi de exegeza – dragostea netarmurita a posteritatii fata de anumite filme; este cazul lui Star Wars – „Si, in plus, sforile nu se vad niciodata” sau al lui Singin’ in the Rain – „Lumea cinematografului si cea de dincolo de ea este mai buna gratie filmului Cantand in ploaie”.

Pentru ca, de la prima editie a acestei antologii si pana acum s-a scurs ceva vreme, iar noi si noi filme s-au inscris in cursa pentru a fi vazute in decursul unei existente, 1001 de filme de vazut intr-o viata include si creatii recente precum Slumdog Millionaire, Inception, Drive sau chiar Bridesmaids. Si, nu intamplator, multe dintre acestea nu beneficiaza de articole foarte atractive. Cred ca este natural, insa, deoarece aura care invaluie un film e rodul timpului si numai rezistandu-i se poate impune. De aceea si simt o atractie deosebita pentru peliculele vechi. Timpul e de partea lor.

Un mare neajuns al acestei liste este ca exclude inca pe atatea filme care merita vazute. Asta nu ii stirbeste insa din merite, pentru ca intregul este cel care produce efectul.

Si ca sa vi-l demonstrez, o sa apelez la un experiment care se adreseaza cu precadere celor suficient de in etate sa isi aduca aminte de Telecinemateca. Frunzariti 1001 de filme de vazut intr-o viata in timp ce ascultati melodia lui Charlie Chaplin care insotea genericul emisiunii si lasati-va sufletul sa va fie inundat de amintirea unei copilarii fericite.

P.S. Multumesc celor de la libraria online Libris pentru panorama celei de-a saptea arte.

Oroare in spatiu

GravityZilele acestea, Gravity este pe buzele tuturor si pe buna dreptate. Este un film remarcabil: remarcabil de bun si remarcabil de prost.

Probabil ca a doua parte a afirmatiei va surprinde. Putintica rabdare.

Despre prima, hai sa ma incumet sa spun ca, vizual vorbind, Gravity al lui Alfonso Cuaron este cea mai organica integrare a tehnologiei 3D pe care mi-a fost dat s-o vad de cand a aparut in peisajul cinematografiei. Fara 3D, acest film n-ar degaja nici o catime din acele senzatii care m-au uluit, de neajutorare, de oroare si de lupta profund inegala dintre fragila fiinta a omului si spatiul cosmic nemarginit .

Auditivul intregeste aceasta experienta terifianta si pasionanta: cand liniste prevestitoare de rau, cand coloana sonora discreta sau apasata, dupa caz, cand respiratie la limita sufocarii. Profundul disconfort fizic pe care il traiesc protagonistii e transmisibil de cealalta parte a ecranului.

Ca veni vorba de protagonisti, ne apropiem si de partea nasoala a acestei pelicule. La numar sunt doar doi – Sandra Bullock si George Clooney, la care s-ar mai adauga unul care apare doar vizual. Povestea se centreaza pe Bullock, rezervandu-i lui Clooney o serie de replici mistocaresti care, justificate pentru a contura la inceput un climat de relaxare in totala antiteza cu pataniile ce vor veni, se pastreaza si dupa si se potrivesc ca nuca in perete.

Gravity2

Mai adaugati la asta si amanuntele lacrimogene pe care Bullock le divulga despre propria persoana si rezulta un scenariu care, in orice mediu terestru, n-ar primi nota de trecere. Dar in cosmos e altceva, banuiesc ca iti ies pe gura mai multe traznai decat norma obisnuita. In plus, il banuiesc pe Cuaron de a-si fi torpilat un pic filmul cu buna stiinta, tocmai pentru a ne mai risipi din incordare si a ne aduce aminte ca privim o opera de fictiune. Sau poate ca nu, pur si simplu m-a coplesit realizarea sa tehnica desavarsita si vreau sa ii gasesc circumstante atenuante.

Un aspect amuzant este insistenta asupra conditiei fizice de invidiat a Sandrei Bullock la cei peste 45 de ani pe care ii are. Nu m-am documentat temeinic, recunosc, dar refuz sa cred ca, sub ditamai costumul de astronaut, se poarta asa maieute mulate si pantalonasi scurtuti cat se poate.

De, toate segmentele de potentiali spectatori trebuie satisfacute, dar Gravity, in ciuda neajunsurilor, ramane o experienta senzoriala fascinanta si tulburatoare.

Gravity3

Elegia goliciunii sufletesti

La_Dolce_VitaUn film de trei ore poate fi gol de substanta, dar plin de forma. O galerie de situatii si personaje in care nimicnicia sufleteasca e obiect de studiu solicita un efort sustinut de rabdare din partea privitorului si o oarecare apetenta pentru film ca mecanism expozitiv, nu narativ.

Aceastea fiind spuse, m-am achitat de sarcina de a-mi schita obiectiv opinia despre La Dolce Vita. De acum incolo ma pot lasa in voia propriilor trairi.

Una dintre ele ar fi lehamitea. Nu fata de realizarea cinematografica in sine, ci fata de ce infatiseaza. La un moment dat, risti sa te contaminezi de starea de nimic (concept pe care l-am enuntat cand a fost vorba despre o carte de Milan Kundera) a spectrelor umane (pentru ca fiinte cu greu se pot numi), fapt care, desi neplacut, e un motiv de lauda pentru arta lui Fellini.

O alta traire ar fi atentia focalizata. Singura metoda prin care episoadele disparate care compun acest film pot contura ceva este sa urmaresti cu precadere reactiile personajului lui Marcello Mastroianni. Nici el nu scapa de morbul vidului interior, dar asta nu il scuteste de a se comporta in diverse feluri cand intra in contact cu al altora.

La_Dolce_Vita2

Minunata din punct de vedere static, scena aceasta trece foarte rapid in film.

Merita amintita si pozitionarea valorilor. In orice dictionar de specialitate, scena emblematica din La Dolce Vita este cea a Anitei Ekberg balacindu-se in Fontana di Trevi. Admit ca, fotografic vorbind, aceasta imagine serveste cel mai bine promovarii filmului, dar momentele sale de zenit trebuie cautate in moduri de redare specifice cinematografiei. Daca ar fi sa aleg tot din bucata alocata divei celei blonde, dragute si superficiale, ar fi dansul frenetic, contrapus spleen-ului comesenilor.

Pe ici, pe colo, apare incantarea. Da, n-are cum sa lipseasca, Fellini stie sa ti-o smulga, chiar si cand nu simti vreo pasiune deosebita pentru el.

Dar sa nu uit plictisul. La trei ore cat are La Dolce Vita, coreland cu prima traire pe care am amintit-o, e inevitabil.

Dar, in ciuda lui, uite-ma aici, scriind despre acest film.

Cred ca e de bine.

La_Dolce_Vita3

Ceea ce nu se poate spune si despre starea de spirit a acestor personaje.

Fericirea – inauntru sau in afara?

Lost Horizon1Priveam un film din anii ’30 ai secolului trecut si o parte din mine isi spunea: m-am autodepasit, am reusit sa fiu fascinat de un film facut in 1937 si nu simt o fascinatie transplantata in trecut, gen „daca as fi fost pe vremea aia, m-ar fi spart astia”, ci una reala si contemporana mie.

Lost Horizon este filmul vinovat de aceasta reactie. Povestea este a unui diplomat englez foarte charismatic (magnificul Ronald Colman) si cativa tovarasi care de-abia scapa dintr-un orasel din China cuprins de valtoarea revoltei si se prabusesc cu avionul undeva in muntii care strajuiesc platoul lumii. Cand sunt pe punctul sa isi zica unii altora „imi parea rau ca n-o sa apucam sa ne cunoastem mai bine”, sunt salvati de niste bastinasi misteriosi care ii duc in mitica Shangri-La, taramul fericirii si al bunastarii perpetue. De aici, actiunea se dilueaza oarecum, pentru ca fiecare dintre personajele secundare da semn ca si-ar construi o linie narativa proprie, a modului cum percepe si adopta utopia, fapt care nu se intampla totusi, ramanand la un nivel cvasi-ideatic, iar asta nu face decat sa fure din timpul alocat personajului principal.

Insa acesta este un neajuns minor, pentru ca regizorul Frank Capra, mare realizator de comedii cu happy-end, da semne clare ca, in Lost Horizon, este pe un taram care nu-i e tocmai familiar, dar, ca un scolar inzestrat si constiincios, da 110% pentru a-si vedea munca implinita. Rezultatul este o maiestrie deosebita in a infatisa tumultul nocturn al unei multimi, un zbor ametitor deasupra muntilor Himalaya si o coborare plina de tensiune, o societate opulenta si organizata si lupta ingrata a omului cu versanti viscoliti. Rar mi-a fost dat sa vad un film in care scenografia si mizanscena sa concureze cu atat succes cu insesi personajele care le populeaza.

Lost Horizon2

Interpretarile sunt limitate de acel scenariu pe care il aminteam mai sus, care ramane prea mult la nivelul caracterizarilor schematice, dar sunt meritorii. Roland Colman a incetat a mai deveni un simplu nume pe care il stiam pentru ca sunt pasionat de epoca de aur a Hollywood-ului si s-a materializat in mintea mea drept un actor inzestrat, cu o deosebita prezenta scenica, un Clark Gable cu o mina mai serioasa. Dintre celelalte personaje, se distinge H. B. Warner, a carui politete, dublata de o foarte subtila ambiguitate proiecteaza dilema asupra tinutului Shangri-La: este oare o lume a fericirii reale sau doar o dictatura abil mascata si intretinuta de huzur?

Pornind de la acest mister, Lost Horizon trezeste o reflectie de care ne lovim zi de zi: Exista o Shangri-La exterioara la care sa ne raportam pentru a defini fericirea sau nu trebuie decat sa o construim in interiorul nostru?

Lost Horizon3

Batranetea e grea

UmbertoDDa, stiu, n-am descoperit cine stie ce. Oricine e constient ca batranetea e grea. Oare? Vad atata scarba pe fetele unor tineri cand interactioneaza cu batrani (parca ar spune: de ce-or mai trai astia sa-mi ia oxigenul si spatiul vital?), incat tind sa-i dau dreptate lui Konrad Lorenz.

Cum de-am ajuns, din nou, la aceasta concluzie? Am vizionat Umberto D., un film apartinand neorealismului italian al anilor ’50, care prezinta o situatie similara cu a perpetuu-realismului romanesc contemporan. Protagonistul este un cetatean in etate, fost functionar, fara familie, care se zbate sa supravietuiasca unui trai tot mai scump, intr-o societate pe trei sferturi pauperizata.

Drama cea mai mare a lui Umberto este ca proprietara camarutei in care locuieste vrea sa-l dea afara, pe motiv ca intarzie cu chiria, scopul real fiind de a-si curata casa de orice priveliste neplacuta care l-ar putea atinge pe logodnicul ei. Filmul urmareste stradaniile sale de a face rost de bani si de amana durerosul deznodamant.

Stilistic, Umberto D. se apropie mult de Ladri di biciclette: aceeasi imagine alb-negru care potenteaza mizeria, tehnici similare de a smulge intristarea privitorului si aceeasi ariditate in expresie, fapt paradoxal, daca ne gandim ca aceste doua realizari cinematografice remarcabile vin dintr-o societate pe care eufemistic o putem numi volubila.

Umberto D. se distinge insa de ilustrul predecesor printr-o mai puternica reliefare a personajului principal; spre deosebire de tandemul tata-fiu din Ladri di biciclette care mizeaza pe emotia interactiunii dintre cei doi, batranul Umberto are o personalitate complexa: e irascibil, cam prea strict, un pic ipohondru, dar are simtul responsabilitatii, e cinstit, sociabil cat se poate si, mai presus de toate, e demn.

Aceasta din urma calitate, pretuita in general, tocmai pentru ca e atat de abstracta, se materializeaza in persoana lui Umberto intr-un mod pe care nu ma sfiesc sa-l numesc grandios. Exista un moment in care Umberto aproape ca se coboara sa cerseasca, dar nu reuseste, iar schimbarea brusca a atitudinii sale are o maretie care o depaseste chiar si pe cea a Panteonului in fata caruia se desfasoara aceasta scena.

UmbertoD3

Filmul este regizat de Vitorio De Sica care mi-a castigat respectul si altfel decat prin extraordinarele-i calitati artistice. Inceputul contine o dedicatie a cineastului catre tatal sau. Astfel, De Sica nu mai este doar naratorul glacial care ne conduce prin drama, ci devine el insusi primul care isi pleaca fruntea in fata sortii crude la care sunt condamnati batranii care, mai bine, mai rau, au muncit intr-o societate de un fel, ca sa se vada marginalizati intr-una de alt fel.

Cel mai apropiat suflet de cel al lui Umberto este catelul sau, iar relatia dintre aceste doua suflete m-a ajutat sa accept ceva. Inainte de a spune ce, declar ca nu agreez cainii vagabonzi, nici pe aceia care ii ingrijesc cu fatisa obstinatie (de regula, batrani).

Umberto D. mi-a demonstrat, insa, o capacitate uimitoare a artei: te face sa intelegi si ceea ce nu-ti place.

UmbertoD2

Un barbat si o femeie

huston3Huston1

Filme care seamana izbitor s-au mai vazut. Regizori care sa realizeze pelicule cu subiecte cvasi-identice s-au mai vazut. Dar vreunul care sa dea nastere la doua creatii care sunt, in esenta, aceleasi, dar care fascineaza de parca ar fi unice, mai rar.

John Houston face aceasta notabila exceptie. A regizat The African Queen in 1951 si Heaven Knows, Mr. Allison in 1957. In ambele, cate un tip mai taranos si o tip dedicata religiei ajung in situatia de a depinde unul de celalalt pentru a supravietui vitregiilor si pericolelor razboiului. In ambele cazuri, se contureaza si o aventura sentimentala.

Ajungem aici pe taramul diferentelor care dau valoare individuala celor doua creatii cinematografice.

In The African Queen, intre Humphrey Bogart si Katharine Hepburn idila se concretizeaza si are un aer induiosator, pentru ca niciunul nu este la prima tinerete, iar implinirea pe care ambii o gasesc in dragoste ii insufleteste si le da putere sa infrunte primejdiile.

In Heaven Knows, Mr. Allison, frumusetea relatiei dintre Robert Mitchum si Deborah Kerr consta tocmai in barierele care ii separa pe cei doi, desi atractia e evidenta si reciproca: nesiguranta lui sentimentala vs. castitatea ei, vitalitatea lui vs. spiritualitatea ei.

Si intr-un caz, si intr-altul, barbatul este protectorul femeii, iar femeia cea care, prin simpla-i prezenta, ridica barbatului stacheta moralitatii.

huston2

Interpretarile sunt, fara exceptie, extraordinare, desi, in privinta aprecierii exista o diferenta notabila intre The African Queen si Heaven Knows, Mr. Allison. Pentru primul, Boggie a primit Oscarul (unul cam onorific si aproape tradiv, dar a carui absenta ar fi insemnat una dintre cele mai mari nedreptati din istoria cinemaului), Hepburn a fost nominalizata, la fel si Kerr pentru al doilea, numai Mitchum a fost in mod inexplicabil ocolit de aceasta onoare pe care o merita fara doar si poate.

Mici deosebiri se pot contabiliza si la capitolul trama narativa: in primul film actiunea curge, pe masura ce protagonistii plutesc pe fluviul care ascunde pericole nemasurate, iar in al doilea, se acumuleaza pe masura ce se inmultesc privatiunile la care sunt supusi cei doi naufragiati pe o insula unde mai apar si inamicii.

huston4

In ambele filme, regia lui John Huston debordeaza de placerea de a filma la fata locului, in paduri luxuriante si pe relief accidentat.

Acolo, in natura, un mare cineast ofera doua ipostaze ale acestui tulburator si inaltator simtamant uman care este relatia dintre un barbat si o femeie.

Cufundarea in nebunie

Aguirre1Jungla e un loc periculos. E deasa si poate ascunde multe orori, iar cei inclinati sa le infaptuiasca stiu ca au mai multe sanse de a le fi acoperite faradelegile. In plus, jungla este un teren virgin, pe care infloresc rapid vise grandomane.

De la aceasta premisa pare a fi plecat Werner Herzog cand a construit Aguirre, der Zorn Gottes, adaugand si un subtil studiu despre cum se naste o dictatura, cum se umfla pana plesneste si cum se destrama in mod dureros pentru cei implicati in faurirea ei.

O expeditie numeroasa care cauta fabulosul taram El Dorado ajunge intr-un impas si trimite un detasament in recunoastere. Liderul este un nobil prin nastere si prin comportament, dar mana sa dreapta, don Lope de Aguirre, unelteste pentru a-l dobori si deturna misiunea incredintata grupului. Cand brutal, cand insidios, Aguirre isi atinge scopul, numeste o marioneta la conducerea grupului, pe care o exercita de facto si chiar instituie un simulacru de sistem de reguli. Pana si pentru un vag cunoscator al ascensiunii lui Hitler, paralela este evidenta.

Herzog se lasa furat de elegia nebuniei, pe care o dezvolta gradual, si de placerea de a filma luxuriante peisaje amazoniene, astfel ca actiunea este caracterizata de lentoare. Efectul filmic este, insa, pregnant, pe masura ce pluta pe care domneste Aguirre patrunde tot mai adanc in necunoscut, pericolele aproape nevazute se intetesc, iar starea materiala si fizica a echipajului se degradeaza. Numai Aguirre ramane ferm in iluziile sale de marire.

Aguirre3

Personajul principal este jucat de unul dintre marii ciudati ai cinematografiei, Klaus Kinski. Chiar si sa nu stii nimic despre personalitatea-i bizara, si tot remarci faptul ca are un mod aparte de a se comporta/ interpreta (nu m-am decis ce termen ar fi mai bun). Oricum ar fi, figura sa stramba, fizic, dar mai degraba psihic, slujeste perfect atmosferei filmului. Aguirre este prototipului acelui bolnav care ajunge sa ne guverneze.

Pentru subtilul studiu asupra disolutiei civilizatie si a instalarii tiraniei, pentru peisajele fascinante, pentru protagonistul socant si memorabil, Aguirre, der Zorn Gotes merita vazut, in ciuda neajunsurilor care caracterizeaza un film mai degraba de arta, decat artistic.

Aguirre2

Doctorii nu sunt ingeri

verdict1M-am gandit inainte de a scrie acest articol: sa inflamez si eu spiritele scriind despre The Verdict, cand si asa perceptia asupra doctorilor din Romania este contradictorie si cu iz de praf de pulbere?

Pana la urma mi-am zis: e treaba celorlalti daca vor sa se simta ofensati, eu nu pot sa nu scriu despre un film remarcabil care trateaza (fac ce fac si tot in registrul medical ma mentin fara voia mea) o conjunctura in care doctorii nu sunt ingeri, desi sunt imbracati in alb, nu lecuiesc, ci nenorocesc oamenii, judecatorii si avocatii nu cauta dreptatea, ci interesul, iar un betiv dezordonat devine un campion al justitiei.

Paul Newman e Frank Galvin, o epava de avocat si om, care nu traieste decat pentru a bea, a juca la pacanele si a gasi cazuri pe care sa le solutioneze amiabil in afara tribunalului, amiabil insemnand bani (cat de multi se poate). Cand un amic vechi (Jack Warden) ii faciliteaza exasperat obtinerea unui caz de malpraxis in care sunt implicati niste anestezisti de renume de la un spital finantat de dioceza catolica din partea locului, protagonistul are o sclipire de umanitate, asa cum numai Hollywood-ul o poate face sa para realista, si se decide sa duca aceasta speta in sala de judecata.

De aici, actiunea evolueaza ca o sfoara impletita din zbaterile personajului lui Newman si cazul in sine, cu adversitatea crancena pe care decizia sa neasteptata o genereaza: judecatorul (de departe cel mai respingator personaj al peliculei, gratie interpretarii formidabile a lui Milo O’Shea) ii e potrivnic pe fata, clientii insisi ar vrea banii, nu dreptate pentru biata ruda care zace intr-un spital, conectata la aparate, si, colac peste pupaza, apararea este organizata de un avocat cu vechime in bransa (James Mason) si o reputatie de invidiat pentru colegi si de temut pentru rivali.

Newman are alocat sensibil mai mult timp pe ecran, pe care il umple cu o varietate uluitoare de trairi (inca nu m-am decis sa accept asertiunea ca acesta ar fi cel mai bun rol al sau, dar convingerea ca a fost unul dintre acei mari pe care se sprijina cinematografia ca arta s-a cimentat si mai mult), insa momentele de varf ale filmului sunt cand contrapun siguranta cruda si insensibila a lui Mason si nesiguranta umana a lui Newman. Emotionanta este si solidaritatea lui Jack Warden, masiv si retinut, care isi secondeaza prietenul fara sovaire, pentru ca vede in el ceva ce numai un prieten adevarat poate. Charlotte Rampling e o dama cu un rol in parte important, pentru ca mai scoate niste reactii din arsenalul interpretativ al lui Newman, in parte decorativ.

verdict2

Ca regizor, Sidney Lumet uzeaza de o specialitate a casei: cadre prelungi cu unghiuri care confera efect personajului care isi rosteste replicile. Nu au simplitatea din capodopera 12 Angry Men, dar isi fac treaba: din lateral, elevate sau coborate mult sub centrul de greutate al personajului, din departare sau prim-planuri. Dintre toate, unul care se repeta cu mici variatii in diverse momente imi staruie in minte, pentru ca, in combinatie cu profunzimea lui Paul Newman, ofera cheia acestei creatii cinematografice: Frank Galvin filmat un pic de sus, cufundat in scaun, tinand geanta strans in brate.

E constiinta umana pe care o sumedenie de factori incearca sa o inabuse, dar care e acolo si se mai poate inca manifesta.

Viata pare mai suportabila stiind asta.

verdict3