Să privim pictura! (CXIII)

Poetul Ienăchiță Văcărescu

La Muzeul de Artă al României, pitit între cele două mari etaje cu exponate de artă veche, respectiv modernă și contemporană, este un cat mai mic, desconsiderat nu doar de vizitatori, dar chiar și de cei care lucrează acolo.

Ultima dată când am ajuns la el, o doamnă plictisită de solitudinea obișnuită mi-a spus:

– Nu prea e mare lucru aici, lucrările mari sunt deasupra.

Însă e o nedreptate, pentru că aceste tablouri de sfârșit de secol XVIII și început de secol XX sunt o oglindă a unei epoci importante din istoria românilor, dar mai ales pentru că eu, unul, am descoperit niște opere sublime dincolo de valoarea lor documentară.

Această pictură realizată de Anton Chladek (1794-1882), artist ceh originar din Banatul sârbesc, stabilit în Țara Românească și care i-a fost profesor lui Nicolae Grigorescu, îl înfățișează pe boierul Ienăchiță Văcărescu (1740-1797).

Acesta a fost un poet și filolog care a promovat limba română, posteritatea înregistrând-i nemuritoarele versuri:

Urmașilor mei Văcărești

Las vouă moștenire

Creșterea limbii românești

Ș-a patriei cinstire.

Tabloul, regulamentar (nicio aluzie la perioada imediat următoare) din punct de vedere iconografic, conține și o mică pagină parțial desfăcută, pe care, în limba română, dar cu litere chirilice cursive, sunt înscrise aceste stihuri.

Nu mică mi-a fost bucuria când am reușit să le descifrez, iar reușita asta mi-a inundat sufletul cu un sentiment de duioșie față de Ilie Vulpe, profesorul din facultate de la care am învățat puținul pe care îl știu despre paleografia chirilică.

Dascăl de modă veche, dar binevoitor și deloc tiranic, cu un umor pe care n-am știut niciodată dacă să îl iau drept involuntar sau nu (colegii de la Istorie și-o limbă vor fi știind despre ce vorbesc), încerca să ne învețe aceste buchii de mult apuse, dându-se să descifrăm diverse facsimile de documente, cu spețe judecătorești îndeobște.

Când ne biruia plictiseala sau neputința (destul de des, de ce să nu recunosc), ne mai povestea din ampla sa muncă de arhivist și paleograf, concretizată în numeroase lucrări, printre care cea mai importantă fiind Divanul Craiovei.

Istorisirea care a făcut cea mai mare senzație a fost aceea despre procesul verbal al judecății dintre doi săteni, unul acuzându-l pe celălalt că i-a necinstit purcica, fapt care o făcea inutilizabilă alimentar.

Da, ați citit bine, dar nu-mi aduc aminte detalii și nici nu știu dacă vreau.

Ce știu este că privind această pictură și omagiul adus personajului care o înfățișează, i-am adus și eu în gînd un prinos de recunoștință profesorului Ilie Vulpe.

Să privim pictura! (CXII)

Îndrăgostiții

O pictură poate avea un farmec intrinsec, prin toate trăsăturile ei, sau te poate captiva dând un imbold imaginației.

Această din urmă situație a survenit când m-am aflat în fața acestui tablou semnat de Leon Alex (1907-1944), aflat la Muzeul Național de Artă al României.

Titlul – Îndrăgostiții – e ilustrativ, ipostaza e duioasă, însă ce m-a făcut să mă opresc și mi-a pus mintea la lucru a fost asemănarea chipurilor celor două personaje cu al faraonului Amenofis al IV-lea (mai cunoscut ca Akhenaton) și al soției sale Nefertiti, în special în perioada vremelnică a artei de tip Amarna.

În acel răstimp scurt, grație radicalei reforme religioase întreprinse de conducătorul Egiptului, reprezentarea omului a abandonat siluetele bățoase și bine lucrate muscular îndeobște cunoscute și a adoptat un aer parțial naturalist (vezi statuia cu burtică a faraonului), dar mai ales caracterizat de o alungire a fețelor pentru care nu s-a găsit încă o explicație definitivă.

Bineînțeles, unii au văzut în asta o confirmare a faptului că piramidele au fost construite de ființe extraterestre, dar asta nu mai miră pe nimeni, cred.

Cert este că, aflându-mă în fața tabloului lui Leon Alex, îmi plăcea să îl intitulez în minte Akhenaton și Nefertiti și să consider că e reprezentarea unui scurt moment de răgaz al celor doi, când, scăpați de straiele și ceremonialul puterii, putea redeveni din zei, oameni.

Să privim pictura! (CXI)

Batjocorirea lui Hristos

Hoinărind prin sălile Palatului Rohan, care găzduiește Muzeul de Arte Frumoase al orașului Strasbourg, am dat peste această pictură, care mi-a atras atenția prin ineditul și stilistica ei naivă.

Este intitulată Batjocorirea lui Hristos și îi este atribuită lui Lippo di Benivieni, pictor florentin despre care nu se cunosc foarte multe, doar că a fost activ în perioada dintre secolele XIII și XIV în orașul care va deveni ulterior punctul focal al Renașterii.

Se pare că artistul era la curent cu noile idei despre perspectivă, pe care le redă apăsat, mai ales prin acea cupola de deasupra capului lui Iisus, însă ce distinge această operă de altele din epocă este modul copilăros, aproape literal, prin care acele cei din jurul Său îi adresează aceste insulte.

Renașterea a exploatat acest subiect în diverse moduri, unele mult mai măiastru reprezentate, însă tocmai acest aspect rudimentar al tabloului lui Lippo di Benivieni m-a trimis cu gândul la practica foarte modernă a beștelirii digitale.

Spune omul ceva pe Facebook și este imediat atacat.

La adăpostul anonimatului și protecției date de digital, săgețile sunt cu atât mai veninoase și se întețesc pe măsură ce respectivele comentarii se tot adună. Adică, mai pe șleau, se încinge spiritul de haită.

Sunt atacate psihicul, dar și fizicul, nu contează coerența, ci vitriolul.

Nu e ecran tactil, ci tempera pe lemn de pe la 1300.

Dar natura umană care reiese este aceeași.

Să privim pictura! (CX)

Iudita și servitoarea cu capul lui Holofern

Iudita și Holofern sau, mai bine zis, doar căpățâna-i sunt subiect des abordat în pictura renascentistă.

Povestea macabră a acestui episod biblic este următoarea:

Generalul asirian Holofern asediază și e pe care să cucerească orașul evreiesc Bethulia. O văduva din partea locului, Iudita, se strecoară în cortul său, îl seduce și, după ce îl îmbată, îl decapitează, apoi pleacă împreună cu macabrul trofeu, lăsându-i pe colaboratorii lui să aibă o nasolă surpriză a doua zi dimineața.

Am întâlnit această temă în nenumărate picturi, cele mai multe, precum cele foarte cunoscută a lui Caravaggio sau cea cu un aer de manifest feminist a Artemisiei Gentileschi, redând momentul sângeros al descăpățânării, mai mult sau puțin realist.

Acesta a lui Correggio (1489-1534), pe care am descoperit-o în Muzeul de Arte Frumoase din Strasbourg, m-a captivat prin faptul că e înfricosătoare fără să recurgă la violență explicită.

Capul lui Holofern doar se ițește și totuși are o paloare cadaverică elocventă.

Deși apare din profil, putem intui un zâmbet de satisfacție morbidă pe chipul Iuditei.

Și ce să mai spunem de reacția servitoarei?

E oroare sau încântare?

Sau amândouă?

Artistul pe transpune la poli opuși din punct de vedere estetic.

Iudita e frumoasă și delicată, servitoarea e urâtă și are o un chip vag ne-european, ceea ce n-ar trebui să ne mire, căci tot ce era în afara bătrânului continent era necunoscut și periculos în acea perioadă.

Cu toate diferențele dintre ele, simți complicitatea celor două femei.

Iudita și servitoarea cu capul lui Holofern e Les diaboliques al lui Henri-Georges Clouzot într-o singură imagine.

Să privim pictura! (CIX)

Frumoasa strasbourgheză

Blugi rupți de parcă te-ar fi hărtănit un câine.

Papuci cu puf, inimaginabili în contact cu apa sau noroiul.

Corset care zdrobește cutia toracică și duce la probleme cu plămânii, printre altele.

Crinolina care făcea utilizarea țucalului problematică în cel mai bun caz.

Gulere largi de dantelă, de nu mai vedeai bine pe unde pășeai.

Istoria modei este o prelungă demonstrație a unei iraționalități colective fascinante, care se perpetuează de milenii, care a început odată cu lumea și se va sfârși odată cu lumea.

În Galeria de Artă din cadrul Palatului Rohan din Strasbourg am întâlnit încă o un mic episod al acestei istorii.

Este vorba de pictura Frumoasa strasbourgheză a lui Nicolas de Largillierre (1656-1746), al cărei element distinctiv e greu de trecut cu vederea.

Nu mai contează cât de armonios s-a jucat artistul cu tonurile reci.

Nu contează migală detaliilor (uitați-vă numai cu atenție la minuțiozitatea cu care este redată dantela).

Pun pariu ca unii dintre voi n-au remarcat nici măcar că protagonista portretului are un cățeluș în brațe.

Privirea ne este arestată de acea pălărie puțin spus supradimensionată.

Dacă a avut vreun rol pratic (să îi țină la distanță pe cei din jur, poate?), acesta s-a pierdut de mult.

Acum nu mai este decât un element menit a o scoate în evidență pe doamna cu pricina, a-i sublinia statusul social și, de ce nu, frumusețea.

Să recunoaștem, a reușit, iar noi, peste veacuri, o admirăm.

Și ne minunăm.

Să privim pictura! (CVIII)

Facerea Lumii

Ca subiect pictural, Facerea Lumii nu este un subiect atât de întâlnit precum căderea în păcat a lui Adam și a Evei sau izgonirea lor din Grădina Edenului.

Avem, bineînțeles, frescele lui Michelangelo din Capela Sixtină, grandioase, dar pătrunse de acea abstractizare a neplatonismului care reînviase în Florența Renașterii, unde marele artist își desăvârșise personalitatea.

De aceea, când mi-a ieșit în cale în Palatul Rohan din Strasbourg, am remarcat imediat ineditul acestui tablou al lui Melchior Bocksberger (cca. 1530-1589), pictor născut la Salzburg și care și-a desfășurat activitatea în principal în statele germane ale perioadei.

Intitulată Facerea Lumii, pictura marchează multe momente cheie ale Genezei, dar ce fascinează este atenția acordată viețuitoarelor, a căror creație a precedat-o pe a omului.

Pe cât de realist l-au lăsat talentul și cunoștințele zoologice, Bocksberger redă animale atât din zona noastră temperată, cât și din areale exotice.

De fapt, cea mai mare plăcere a contemplării acestui tablou a fost să identific toate speciile strecurate de artist în compoziție și n-a fost ceva ce s-a soluționat la o simplă aruncare de privire.

Am obiceiul să mă departez și să mă apropii de o pictură care îmi place și de fiecare dată când efectuam o astfel de translație vizuală, mai descopeream o necuvântătoare dibaci plasată în plan secund, printre alte făpturi mai mari.

L-am amintit pe Michelangelo și colosala sa operă, iar ecourile ei se simt și aici.

Undeva, în plan depărtat, Melchior Bocksberger a înfățișat și apariția acelui ”paragon of animals”, cum îl numește Hamlet.

Omul.

Iar scena e inconfundabilă.

E limpede că acel gest de un sublim inefabil al lui Michelangelo devenise deja etalon al expresivității.

Un omagiu mic pentru un om și unul mare pentru natură.

Cu multe secole înainte, Melchior Bocksberger înțelese, intuitiv, că suntem parte a mediului înconjurător, pe care avem datoria de a-l studia, admira și proteja.

Să privim pictura! (CVII)

Cărturar în camera de studiu

Acest tablou al lui Rembrandt se intitulează Cărturar în camera de studiu, se găsește în Galeria de Artă Națională din Praga și în el se bat două proverbe românești.

Unul e Ai carte, ai parte. Figura mândră a personajului e dincolo de mulțumirea de sine a celui care se bucură de învățătură. E trufia celui care a ajuns pe o treaptă superioară a ierarhiei sociale sau vrea să proiecteze impresia asta.

Celălalt e Haina nu îl face pe om. Ba da, îl face, iar asta ne arată Rembrandt printr-un simplă ecuație a suprafeței picturii. Haina aceea ocupă mai mult spațiu decât chipul, cușma sau instrumentele de lucru ale cărturarului.

Îi prilejuiește artistului o veritabilă demonstrație de forță, reconstituind bidimensional textura pufoasă (pe care o simțim aievea) a blănii și jocul luminii care o ajunge.

Să fi fost asta încă o ironie a lui Rembrandt față de comanditar?

Sau pur și simplu aplecarea lui pentru joacă, aceeași care i-a înfuriat pe cei care îl plătiseră pentru Rondul de noapte?

Nu știu, dar rezultatul e superb.

Să privim pictura! (CVI)

Adam și Eva

La prima vedere, tabloul acesta de Lucas Cranach, găzduită de Galeria Națională de Artă din Praga, nu are prea multe de oferit.

Titlul explică totul – Adam și Eva.

El mușcă marul oferit de ea, care l-a primit la rându-i de la Necuratul deghizat în șarpe.

Anumite părți ale corpurilor sunt ascunse cu gesturi bine integrate compoziție generale.

Și gata.

Uitați-vă, însă, la atitudinea Evei în comparație cu a lui Adam.

Lascivitatea ei irezistibilă se contrapune aerului lui talâmb.

O fi fost Adam primul, dar a ajuns plămadă în mâinile Evei.

Acesta este adevăratul fruct al cunoașterii, pe care urmașele Evei o stăpânesc de atunci și până acum.

Să privim pictura! (CV)

Scenă galantă în parc

Vi se pare cunoscută scena, nu-i așa?

O tânără cochetă, pe un leagăn.

Un tânăr care o admiră.

O vizibilă atracție dintre cei doi, redată prin motrica siluetelor.

Un al treilea personaj, care știe sau nu știe despre ce se întâmplă între cei doi.

Doar citind descrierea, ai spune că e Leagănul lui Fragonard.

Însă această pictură (găzduită de Galeria Națională de Artă de la Praga) se intitulează Scenă galantă în parc, iar autor îi este Norbert Grund.

De cum am văzut-o, mi-am zis:

Ia te uită ce impact a avut capodopera de la Luvru! A generat tot felul de paștișe, chiar și unele stilate, ca aceasta.

Însă lucrurile nu sunt atât de simple și ne găsim în față unei dileme de tip ”oul sau găina”.

Norbert Grund, născut în Praga, școlit prin Viena și Veneția și cu activitatea în principal în Boemia, a trăit între 1717 și 1767. Pictura sa de aici este datată cam între 1750 și 1760.

Jean-Honore Fragonard, pictor francez, școlit la rându-i prin Italia și umblat prin Viena sau Strasbourg, a trăit între 1732 și 1806. Leagănul său este datat în jurul anilor 1767-1768.

Și atunci, cine a influențat pe cine?

Recunosc că nu am aprofundat problema într-atât încât să dau un răspuns cert, însă nu exclud nici varianta ca aceste două picturi să fi fost plăsmuite independent una de alta.

Până la urmă, jocul seducție și al flirtului este universal și ubicuu.

Poate că artiștii nu au făcut decât să îl observe în mediul unde își făceau veacul.

Să privim pictura! (CIV)

Încăierare între țărani

Sunt curios cum arătau Știrile de la ora 5 acum sute de ani.

Că de existat, existau sigur, material era din belșug, așa cum o dovedește și acest tablou intitulat Încăierare între țărani, care se găsește într-una dintre colecțiile Galeriei Naționale de Artă din Praga.

Cei familiarizați cu pictura flamandă a Renașterii vor simți că stilul le este cunoscut și nu se vor înșela, căci autor este Pieter Bruegel cel Tânăr, fiu al ilustrului tată cu același nume, cunoscut și drept Ăl Bătrân.

N-am reușit să lămuresc dacă lucrarea este o copie a predecesorului sau una originală, însă mi se pare că că fețele personajelor sunt un pic mai grotești decât le avea Bruegel cel dintâi, care își privea modelele umane cu un ochi satiric, dar și cu o umbră de compasiune.

Oricum, scena este savuroasă, are multe de oferit din punct de vedere dinamic și invită la diverse interogații existențiale:

Cine a început?

Cine și-o ia cel mai tare?

Respectivii se împacă până la urmă sau vine garda și îi umflă pe toți?

De remarcat și egalitatea de gen înfățișată de tablou (la încăierare iau parte activă și două femei), precum și utilizarea îmblăciului drept nunchaku, semn că artele marțiale își pot stabili paternitatea și în Europa, nu doar în Asia.

Dincolo de divertisment, un astfel de tablou e o mărturie neprețuită asupra acelor trăsături umane care s-au perpetuat de-a lungul veacurilor.

Cărți de joc, aplicații online pentru pariuri, bătăi țărănești în Flandra, topoare-n cap în Dolj, toate-s vechi și nouă toate.